lunes, 26 de julio de 2010

El débil universalismo
Boris Groys

En estos tiempos, sabemos que todo puede ser una obra de arte. O mejor dicho, que todo puede convertirse en una obra de arte por un artista. No existe la oportunidad de que un espectador distinga entre una obra de arte y una “simple cosa” sólo sobre la base de la experiencia visual del espectador. El espectador debe conocer un objeto particular primero para ser usado por un artista en el contexto de su práctica artística para identificarla como obra de arte o como parte de una obra de arte.


http://artecontempo.blogspot.com/

martes, 29 de junio de 2010

Revista Estudios Visuales 2010



La revista anual española Estudios Visuales, dirigida por José Luis Brea y editada por el CENDEAC de Murcia, presenta su numero 7 (desde enero pues), dedicado a las Retoricas de Resistencia. Es de llamar la atención que un tema, que pareciera tan inapropiado para un mundo civilizado y postwitter, sea objeto de atención por parte del pensamiento internacional, tal parece que aun es posible identificar alguno que otro espacio critico. Buenos nombres, buenos textos.

lunes, 28 de junio de 2010

Reunion del 26

...Aqui les dejo la reunion del sabado, dando estructura al evento del MACAZ de noviembre, con la idea de mas o menos seguir el hilo ..saludos

http://www.goear.com/listen/bc50099/reunio-26-junio-c-nodo

miércoles, 5 de mayo de 2010

LA APARICON DE LOS "DUAL SITES"

Desde hace mucho tiempo, el arte ha externalizado la capacidad de definirse a sí mismo mediante la concesión de ese derecho a los medios de comunicación privatizados, galerías y museos. De este modo, una brecha importante se formo entre los artistas que se identificaban con el trabajo que dice representar a su tiempo y los que encontraron poco eco en un arte dictado por motivaciones de lucro. Al preguntar, "¿Qué museo me representa?" O incluso "¿Qué artista publico tienen los mismos intereses que yo?" Muchos encontraron que la respuesta era inexistente. En la vida de los jóvenes artistas, el Internet es un lugar para encontrar a sí mismo a través de la existencia de los otros-para reclamar de forma individual la capacidad de auto-mitificar y enfáticamente elegir a alguno de sus compañeros como influencias. Así, el arte de Internet se caracteriza por la necesidad compulsiva de buscar (o, navegar) para conectarse con otros en una forma que no sea dirigida por los intereses de privatización, sino para encontrarse y compartir entre los individuos. [1]

El doble de la web es una institución que surge de este sistema individualizado de relacionarse unos con otros. Es un espacio de exposición sintomática de lo físico y lo digital -un ejemplo de cómo el arte, como la vida misma, ahora existe en alguna parte entre los dos.


Los DUAL SITES no son galerías como tradicionalmente las conocemos, porque, como afirma el director de la FUTURE GALLERY´S, Mike Ruiz, vender arte "de ninguna manera es el objetivo ni la motivación para el funcionamiento de nuestro espacio." Tal vez este hecho, más que ningún otro, separa los DUAL SITES de sus predecesores: tratan de crear capital social para los artistas en lugar de dinero, no a causa de (o para) pagar. En lugar de manipular sus espacios de una manera que resulte más eficaz satisfacer las necesidades de un “comprador” los directores de los DUAL SITES han compartimentado sus esfuerzos como una satisfacción de sí mismo. Solo como “ellos mismos” es lo que hace interesante a esta nueva generación. Estos directores de galerías son como el resto de nosotros, son parte de esta comunidad vivaz de espectadores de arte ON-LINE que abren cada link posible y que se exponen a la percepción del arte contemporáneo, son una red de jóvenes ambiciosos que se encuentran en la misma situación en donde no son representados por alguna galería. El status de conocimiento que adquiere un director de DUAL SITES es evidenciado en los artistas jóvenes (popularizados en internet) que se muestran en sus espacios.


Con tal accesibilidad en mente no es ninguna sorpresa que en México la galería PRETEEN coexiste como un hogar para sus directivos ( su casa) y la galería como espacio físico, mientras que otros DUAL SITES, como referencia la Galería de Arte de Richmond, Virginia, son espacios comerciales baratos en alquiler. ZURICH´S PALOMA PRESENTS ni siquiera tiene un espacio permanente y migra de ciudad en ciudad, ocupando otras galerías en Milán, Lausana, Basilea y más. Al hacer que la única barrera para asistir a una inauguración en los DUAL SITES sea la de poseer una sala de estar y una conexión a internet, esta galerías dejan en el aire la burocracia junto con la inmensa cantidad de fondos requeridos para los proyectos comerciales.

Claro cualquiera puede empezar una galería de esta manera, pero se requiere de un esfuerzo real de estos espacios y sus directores para generar confianza en los espectadores a través de un constante mantenimiento y renovación y un consistente criterio en cada una de sus exhibiciones.

Algunos lectores rápidamente asociaran a los DUAL SITES como extensión de la rica historia de espacios alternativos de chicago, que operan en la cara del rechazo geográfico o el salón de los rechazados, que funciona como respaldo institucional para los artistas considerados como “indignos”

Estas conexiones históricas son automáticas, per no debemos ignorar uno de los rasgos mas característicos de los DUAL SITES : su posibilidad de existir en donde sea y mostrar el trabajo de los artistas “dispuestos” 2 de cualquier parte. Entonces la ubicación es la descentralización y el “trafico de pies” es suplementario a la audiencia on-line que estas galerías manejan. JERICHO DITCH – un DUAL SITE en Pope Swamp , Virginia- cuenta con orgullo que casi no tiene asistentes en persona.

Fortalecer las comunidades locales de arte con el acceso a , los trabajos contemporáneos es la intención de diversos DUAL SITES, aunque su objetivo primordial es crear una audiencia mas grande entre los espectadores en línea.


Nuestra apreciación de un currículum es una larga cadena de reconocimientos de logros en los cuales nunca estuvimos presentes. La invitaciones en FACEBOOK a las exposiciones de los DUAL SITES son parte de su existencia, la mayor parte de estos invitados en realidad no están invitados a asistir, sino mas bien a reconocer la existencia del evento - para creer que paso, y al hacerlo, se valora y se ejemplifica el apoyo hacia la exposición del artista.

La asistencia puede ocurrir al observar (o re-blogear) la imágenes de las instalaciones, leer la descripción de la exhibición o ingresar en la webcam que graba en vivo la inauguración.

Puede resultar extraño que un grupo de artistas que existen y se organizan de manera digital todavía dependan de la presentación física para la validación entre la comunidad, pero creo que los físico en los DUAL SITES es solo una posición para la audiencia y poder apreciar algo más: el trabajo dedicado y consideración hacia el trabajo de la muestra.

Para apreciar lo que un DUAL SITE requiere un entendimiento de lo que es primariamente alternativo, la imagen vertida en TUMBRL lo es.

La aceptación del TUMBRL por el artista es una contradicción por que el objetivo de la pagina es renovar el contendió c constantemente y postear nuevo material con la esperanza de obtener una gama mas amplia de espectadores a través de una gama más amplia de contenidos.

Esto hace que sea una fuente sumamente eficaz de difusión masiva de la imagen, pero no una que privilegie el esfuerzo individual o la autoría propia. El artista busca la permanencia de su inclusión en una pagina web que archiva a sus participantes así como una buna contextualización de su obra a través de una buena reseña introductoria. La atención generada al ser la pagina principal de una pagina de DUAL SITE por lo menos una semana o dos empequeñece los 5 minutos que un artista puede tener antes de ser remplazado con otro post dentro de un TUMBRL.

El esfuerzo que involucra la creación del espacio físico y la instalación de las exhibiciones evidencia a los DUALS SITES como proveedores de consideración hacia la obra. El DUAL SITE ofrece lo que el TUMBRL no esta diseñado a hacer que es la de otorgar el esfuerzo necesario que exige el respaldo de la obra - lo físico es sólo un medio a tal fin.


La aparición de los DUAL SITES es un hito para el arte en internet, ya que significa que debe encargarse de una audiencia tan dedicada que sus demandas deben ser satisfechas a través de la creación de nuevas instituciones. Sin la intención de buscar una comunidad en línea dispuesta a ver premiados sus participantes por su arte, los esfuerzos de los DUAL SITES son un intento, como el capital social otorgado por ellos es tan valioso, como el número de personas capaces de reconocerlo.


Sin exito en la búsqueda de una comunidad en línea ansiosa por ver premiados a sus participantes por su arte, tal vez los esfuerzos de los DUAL SITES sean un intento de de dicha búsqueda , ya que el capital social premiado por ellos es solo evaluable conforme al numero de personas en reconocerlo.


En cambio, las cualidades anárquico - altruista de presentación en línea del arte se han cumplido con un modo de acreditación igualmente promisorio. Alégrense artistas aquí esta un cambio ara ser promovido por sus colegas en lugar de sus ganancias.


[1] Irónicamente. La manera mas eficiente de hacer esto a menudo se resuelve alrededor de interfaces corporativas gratuitas como GOOGLE, YOUTUBE and TUMBRL.Si bien puede parecer que la eficiencia triunfa sobre la ética, debemos acercarnos a esta pregunta "¿¿quién está usando a quién??", como un tema más complicado.

[2] los DUAL SITES a menudo requiere que el artista exhibido ayude a pagar su propia exhibición. en ausencia de mediadores especuladores, se nos pide que tomemos los roles que generalmente contratados y hacerlos nosotros mismos.

fuente:

http://thejogging.tumblr.com/post/536420881/the-emergence-of-dual-sites


dual sites:

http://www.preteengallery.net/

http://www.thefuturegallery.org/

http://www.palomapresents.com/

http://www.jerichoditch.com/







domingo, 21 de febrero de 2010

SING OUT

Josef Schulz ha desarrollado un proyecto fotográfico llamado SIGN OUT, el proyecto se basa en el registro de diversos anuncios publicitarios (billboards) a lo largo de las autopistas de estados unidos.


los registros que Schulz ha realizado son manipulados digitalmente para eliminar todo rastro de publicidad e información en los letreros subvirtiendo así la finalidad y la funcionalidad de dichas construcciones, el objeto por si mismo recobra importancia, siendo mostrado como "pura forma" ,donde a su vez también, cuestiona la banalidad contructiva que es justificada bajo los medios mercantiles.


letreros desnudos!!! waaaaa pornografia vial!


mas informacion por aca : http://www.galerie-weigand.de/pages/en/artists/schulz/show_1_3_10.htm








miércoles, 6 de enero de 2010



No sólo en el arte suceden 
SITUACIONES y ACCIONES interesantes 

martes, 5 de enero de 2010

...La polémica Orozco- Estrella de Diego

La reciente retrospectiva de Orozco en el MoMa fue tal vez uno de los eventos más comentados para el final del año. Esta polémica (cortesía de la Doc Bordons) me llamó la atención por el nivel de teóricos involucrados y me permitio involucrarme un poco en todo lo que se escribió alrededor, que en realidad me había interesado casi nada; una retrospectiva de Orozco que imagino muy similar a lo que vimos en Bellas Artes, la verdad me parecía que no aportaba gran cosa a lo que ya se ha visto y dicho sobre el artista.
Creo que darle un ojo a esto, refresca un poco la memoria y por lo menos le da tono a algo que parecía no tenerlo. A ver que les parece.
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"Gabriel Orozco ni aguanta nada"
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Los otros textos

domingo, 27 de diciembre de 2009

Breve recuento de curiosidades didácticas

por Eduardo Abaroa

Joseph Jacotot muestra a sus alumnos un libro en 1818. El habla francés, ellos no. Hasta ahí todo va bien, pero lo malo es que Jacotot no habla el idioma de sus alumnos. A pesar de todo se propone enseñarles francés y para ello les pide, por medio de un traductor, que memoricen la versión bilingüe de la novela Thelemaque de Francois Fenelon. Pero podría haber sido cualquier otro libro. Luego los alumnos tendrán que resumir lo que leyeron por escrito y en francés. Esto lo hicieron sorprendentemente bien por sí mismos, comparando las palabras francesas aprendidas de memoria con las de su propio idioma. El maestro no tuvo que explicar ni sintaxis ni absolutamente nada.

Recuerdo un filme documental en el que una familia alemana cocina. El padre corta papas con un cuchillo. Cortar las papas es una manera de dar forma. De este modo se puede dar forma a cualquier cosa. El escultor puede dar forma a la piedra y del mismo modo cualquier persona puede darse forma a sí misma. Todos pueden dar forma a la sociedad. Todo hombre es un artista.

Los alumnos de arte están cansados de dibujar. Dibujan durante dos horas diarias a una misma mujer incómoda y desnuda. Para estimular la mente se emplea música de Bach. El método que les enseñan parece no ser el más eficaz, casi todos los dibujos salen mal y para colmo se parecen entre sí. Los lápices se acaban uno tras otro, y la obra de arte no llega. Así que cuando el nuevo maestro Santamarina les sugiere que hagan una obra de arte sólo con una grabadora de cassettes, que se aprende a usar en cinco minutos, hay cierta esperanza.

Durante siglos el Arte de la Memoria se atribuyó a Marco Tulio Cicerón. Ahora sabemos que el principal compendio de este arte, titulado Ad Herennium, no fue escrito por él, sino por alguien cuyo nombre se ha perdido. Pero el sistema y su errática interpretación tuvieron consecuencias para pensadores tan diversos como Tomás de Aquino, Giordano Bruno, Tomasso Campanella y William Shakespeare. El Arte de la Memoria consistía en esto: para los senadores y abogados romanos era un problema importante recordar los largos discursos ante sus conciudadanos. De la memoria podía depender el futuro de Roma, que se decidía tanto en en el podium como en el campo de batalla. Para memorizar los intrincados giros de su discurso, el orador debía visualizar mentalmente un edificio con varias habitaciones o nichos. Cada espacio estaría ocupado por una figura alusiva al contenido del discurso. Podía ser un personaje o un objeto. Se recomendaban las imágenes llamativas, podía usarse pintura roja u otros medios para hacer las escenas más impactantes, incluso grotescas o repugnantes. También sería útil añadir detalles que correspondieran a los temas, las frases y los ejemplos empleados. Esto es lo que se llamaba “memoria artificial”. Cuando empezara el discurso, el orador debía simplemente recorrer el edificio que había imaginado y al ver las figuras multicolores y vistosas allí dispuestas iría recordando las partes de su argumentación. Era preferible que los cuartos estuvieran bien iluminados.

Hoy nos parece increíble que alguien haya podido practicar el arte de la memoria. Ni siquiera Frances A. Yates, que escribió un excelente ensayo al respecto, estaba convencida de su utilidad. Igualmente nos parece extraño que alguien pueda memorizar un libro palabra por palabra, como requería Jacotot. Sin embargo, con este primer paso, el maestro lograba enseñar a los alumnos a manejar un idioma en muy poco tiempo. En su opinión, había que adoptar tres preceptos:

1-todos los hombres son igualmente inteligentes

2-todo hombre ha recibido de dios la facultad de aprender por sí mismo

3-todo está en todo.

Jacotot, probó que, mediante su método, él podía enseñar otras lenguas, matemáticas e incluso algo que no conociera, como música o pintura. El maestro podía ser ignorante y de todos modos instruir a los alumnos, porque lo que importaba era emanciparlos de la autoridad de los maestros. La pedagogía tradicional implicaba que el docente transmitiera al alumno cosas que éste no podría nunca entender por sí mismo. Jacotot vió el acto mismo de explicar como un ejercicio de poder que desviaba al alumno de su propia confianza y de sus capacidades. No era necesario explicar una vez que el alumno entendiera, por su propio esfuerzo, mediante ensayo y error, el lenguaje necesario para dominar cualquier disciplina. Una vez logrado esto, el alumno podría aprender lo que se propusiera simplemente recordando cómo había aprendido sin ayuda. Muchos artistas actuales buscan algo similar. Cuando hablan del “proceso” en la obra, hablan de un personal y errático proceso de aprendizaje.

Rikrit Tiravanija fue el principal ponente en la versión mexicana del ejercicio didáctico emprendido recientemente por Anton Vidokle: United Nations Plaza. Esta iniciativa es básicamente una mesa de discusión itinerante donde artistas y escritores de todo el mundo pueden dialogar sobre los temas más diversos. Por medio de imágenes proyectadas en la pared, Tiravanija mostró su proyecto “The Land”, que es una especie de residencia esporádica para artistas y que consiste en modificar paulatinamente un terreno en Tailandia. Allí se acercan invitados de diferentes partes del mundo para diseñar edificios, meditar, resolver problemas prácticos, etc. Algunos participantes buscan soluciones ecológicamente viables. Philippe Parreno y Fransois Roche propusieron dotar al sitio de un sistema de comunicación vía satélite. Para generar la energía requerida por el sistema propusieron usar un elefante cuyo excremento funcionaba bien como bio-combustible. El elefante ayudaría a otras actividades del sitio. Pero nadie pronosticó la enorme cantidad de comida que iba a necesitar el animal. Alguien preguntó a Rikrit si se consideraba un experto o un amateur. El respondió que no pensaba en términos de “experto” y “amateur”.

El maestro ignorante es una figura importante en nuestro tiempo y lugar. Incluso llegan reportes de que el sindicato corrupto de maestros y la mayor cadena televisiva de México (ambos responsables principales de la estulticia de toda una nación) se han aliado para la producción de un programa televisivo de concursos. El nombre para el programa, “Todo mundo cree que sabe”, en realidad significa sarcástica y descaradamente, “Todos ustedes son unos ignorantes”. Con esto se pretende reconciliar a la sociedad con sus docentes.

Jacotot evocó al maestro ignorante de un modo distinto. Su propuesta estaba diseñada para una Francia del siglo XIX en la que no había maestros suficientes. El padre sin recursos podía enseñar habilidades vitales para la vida plena de sus hijos si lograba emanciparse y emanciparlos del costoso sistema de explicación…de la idea de que la inteligencia de los ciudadanos era inferior y de que necesitaban forzosamente maestros que explicaran indefinidamente hasta la cosa más obvia. Por medio de trabajo duro todos pueden aprender lo que sea.

Parecería una paradoja, pero es cierto que muchos medios de comunicación masiva, como el radio y la televisión se han dispersado bajo la coartada de una función pedagógica. Se trata de hacer llegar el progreso a todos los rincones. Esto se ve mejor en regímenes totalitarios en donde los discursos transmitidos explican incesantemente a los súbditos las razones del estado. Debord desenmascara la función coercitiva de los medios más democráticos.

Quizá el Arte de la Memoria descrito por Yates nos parece tan fantástico porque en nuestra época las imágenes se usan primordialmente para olvidar. La televisión desde nuestra perspectiva es una inmensa colección de imágenes que parece estar diseñada para borrar por completo casi todo. Sólo se salvan unas cuantas narrativas, personajes o formatos simples repetidos hasta la náusea.

El Arte de la Memoria adquirió nueva vigencia cuando se empezó a hablar de “realidad virtual”. Pronto recordaremos con nostalgia tecnológica aquellas visualizaciones de individuos con casco, lentes y guantes. buscando información al caminar en una biblioteca “virtual”. Tal vez ahora se evidencia que ésa era una tontería de interfase. Pero las habitaciones virtuales prevalecieron en Duke Nuk’em y otros videojuegos que sustituyen tanto la percepción espacial como el movimiento del cuerpo real. En parte es el placer de recorrer un laberinto tras otro, memorizando rutas lo que ahora genera comunidades virtuales de varios miles de jugadores. El éxito de los videojuegos es que propician un prolongado aprendizaje que no sirve para nada. Lo que los perpetúa no sólo es la sed de sangre, como algunos creen, sino el placer del aprendizaje a alta velocidad y sin riesgos importantes, salvo quizá el riesgo de perder toda una vida jugando. En contraste, el internet, a pesar de un millón de ociosidades posibles, es un medio que ayuda inédita e invaluablemente a quien quiera aprender lo que sea. Aun así la utopía está lejos.

El hallazgo de Jacotot se volvió famoso. Algunas personas trataron de incluirlo en su propia agenda del progreso. Pero Jacotot no estaba de acuerdo con una agenda que aceptara un maestro explicador, un personaje que ejecutara el papel de conocedor por sobre los demás. Sorprendentemente, sus ideas no proponían un cambio político revolucionario. El pensaba que tan pronto se hablara de nuevas instituciones se reestablecería la desigualdad y que la emancipación del individuo es incompatible con la logica estultificante de la sociedad. Pero Jacotot si vislumbraba momentos felices y efímeros en los que los hombres podían compartir experiencias de igual a igual, sin jerarquías. La equidad debía sere un punto de partida, no un objetivo a cumplir en el futuro.

Esta fase del recuento que Rancière hace de la vida y obra de Jacotot en 1987 nos parece algo equivalente a la disidencia en permanente retirada de Deleuze y Guattari. Como ellos, muchos autores de la época trataban de entender las lecciones de lo que sucedió en la revuelta de estudiantes del sesenta y ocho francés, que cada vez más se pierde en el olvido.


(tomado de somamexico.org)